Especial Studio Ghibli: “Kiki: Entregas a domicilio”

Esta semana seguimos con los comentarios sobre todas las películas de Studio Ghibli. En esta ocasión toca el turno a Kiki: Entregas a domicilio.

   La cinta nos cuenta la historia de Kiki, una bruja que debe seguir la tradición: a los trece años, las jóvenes brujas deben viajar a algún pueblo o ciudad para prestar sus servicios. Repentinamente, Kiki decide que ya es hora de partir, noticia que a la vez sorprende y entusiasma a sus padres.

   Kiki, en compañía de su gato Jiji, llegarán a una ciudad costera en la que buscarán instalarse. A partir de ahí, la trama se concentrará (y creo que es un aspecto original de la película) en cómo la joven bruja se adapta a su nueva vida y cómo descubre la forma de ayudar a los pobladores.

   La cinta nos muestra la crisis durante la transición entre niñez y adolescencia. Durante dicha fase, Kiki descubre los celos y el amor, pero también la amistad con varios de los pobladores del lugar al que ha llegado. Sin embargo, la transición mencionada sobresale por un hecho muy particular: cuando era niña podía escuchar hablar a su gato, y ahora que es adolescente, ya no puede escuchar a su compañero. De la misma forma, Kiki tiene problemas para controlar su magia, aspecto que muestra muy bien que la pubertad es un periodo de suma inestabilidad emocional.

   También nos cuentan la faceta trabajadora y leal de Kiki. Realmente es una chica que cumple sus servicios al pie de la letra y es capaz incluso de ir más allá con tal de ayudar y dejar bien satisfechos a quienes ayuda.

   Con esta cinta termina la etapa ochentera de Hayao Miyazaki (director y guionista de esta cinta) y del estudio. La entrada a los 90’s representará la consolidación de esta casa animadora y de sus producciones no sólo en Japón, sino también en el resto del mundo.

   En resumen, una cinta adorable y bien planeada que dejará con buen sabor de boca a chicos y grandes.

Especial Studio Ghibli: “Kaze Tachinu / Se levanta el viento”

Hasta ahora llega a México una de las cintas más esperadas de Hayao Miyazaki, la que se presenta como su gran despedida del mundo cinematográfico. Pero como toda gran despedida, Miyazaki eleva al cielo su pasión por la aviación y nos cuenta, en un tono muy realista y personal, una especie de biografía ficticia y muy libre de uno de los grandes genios de la ingeniería aeronáutica japonesa: Jiro Horikoshi.

   Con fuertes guiños a La montaña mágica de Thomas Mann, Miyazaki nos cuenta la infancia de Horikoshi, y de cómo su mentor lejano (y a la vez cercano), Hans Castorp, es parte integral de su pasión y enorme talento por los aviones.

   El resto es parte de la historia: el Japón entre guerras y la necesidad de construir un buen avión para que los japoneses puedan ganar lo que será recordado como la Segunda Guerra Mundial.

   Jiro parece un ser robótico que se dedica a trabajar casi sin descanso en sus diseños para ese avión que todos esperan. Miyazaki delinea el mundo de la creación de estos maravillosos artefactos, y nos presenta a un personaje que a la larga le aflorará su lado humano justo cuando el amor le llega.

   Pero creo que la cinta ofrece algunos planteamientos sin una posible respuesta. ¿Cómo reaccionar cuando en el mismo momento el gran proyecto de tu vida se cumple y a la vez tu gran amor muere? ¿El talento y la genialidad utilizados para crear un avión para ganar la guerra al final valieron de algo? La guerra se perdió y el invento fue utilizado para asesinar a miles de personas. ¿Valió la pena que la creatividad se aplicara en esta herramienta?

   Miyazaki regresa con una obra artística en la que no hay escena que se repita. Como es común en este director, no hay maniqueísmo, no están los clichés que casi siempre vemos en el anime, aquí lo que importa es la reflexión moral sobre el genio y la guerra, sobre el artefacto y sus usos.

   Uno podría pensar que Horikoshi sólo aplicó su creatividad y que ya dependió de los demás el cómo se usaría el aparato. Sin embargo, él es responsable de la creación de un modelo de avión que sería usado incluso por los kamikazes. El presupuesto vino del ejército, y Jori estaba consciente de que su artefacto iba a ser utilizado en la guerra.

   En conclusión, una esperada y muy satisfactoria cinta agridulce que ofrecerá un escenario visual inigualable. Studio Ghibli es conocido por contar historias mágicas, y ésta no es la excepción: a partir de lo cotidiano se cuenta una historia maravillosa y que consigue transportarnos a mundos maravillosos.

Especial Studio Ghibli: “Mi vecino Totoro”

Este es un buen momento para recordar aquellas escenas de la película Toy Story 3 en las que aparece Totoro. ¿Se dieron cuenta? ¿No quisieron gritar? ¿El resto del público en la sala de cine no los vio raro? Si algo de esto sucedió, definitivamente han visto esta chulada de película.

   Ubicada en un Japón después de la Segunda Guerra Mundial, un investigador (antropólogo de formación) se instala con sus dos hijas en una casa en el campo. La madre de las niñas está en el hospital en recuperación, mientras que el padre y ellas esperan que regrese pronto a casa.

   En poco tiempo, la inocencia de las niñas les permitirá observar extrañas y curiosas criaturas juguetonas que habitan el bosque. Conforme avance la historia, descubriremos que entre estas criaturas está Totoro, una especie de espíritu que habita en la naturaleza.

   Poco a poco, las niñas irán descubriendo ese mundo vetado para los adultos.

   Sobresale en la trama la gran energía de las niñas, quizás imposible de ser representada por alguna actriz muy joven en la vida real. A su vez, la gran curiosidad que tienen sobre el mundo les permitirá ir descubriendo cosas no vistas antes en la naturaleza. Y pensándolo bien, esto es una especie de metáfora sobre cómo en la niñez hay un gran sentido de la maravilla, de la curiosidad, de la imaginación, y de cómo a la llegada de la madurez mucho de esto se va perdiendo.

   Pero definitivamente, Totoro es el gran personaje de la cinta. Su comportamiento es tan curioso, tan chusco, pero a la vez es tan extraño e incomprensible. Sin embargo, tiene empatía con los humanos, detalle que lo llevará a ayudar a las niñas casi al final de la historia.

   En definitiva, una gran película sin maquillajes ni escenas humorísticas forzadas, y que definitivamente es una de las grandes del Studio Ghibli y en particular de Hayao Miyazaki.

Darker Than Black: Ryuusei no Gemini

Esta semana que ya estamos de vacaciones (sólo una semana para los alumnos de la UNAM, qué triste), he encontrado un ratito para chutarme  la segunda temporada y las cuatro OVAs de Darker Than Black. ¿El resultado? Hablemos primero de la segunda temporada.

   La trama ahora nos lleva a Rusia en donde un científico llevará a cabo extrañas investigaciones que involucrarán a sus hijos gemelos (uno de ellos contratista).

   En una de esas, varias organizaciones buscan un extraño fragmento de meteorito (relacionado con la puerta del cielo y el infierno) en el que el desaparecido Hei también estará involucrado.

   Aparentemente, el padre de los gemelos ha sido asesinado, el gemelo contratista ha desaparecido, y la gemela restante se verá envuelta entre la lucha de organizaciones secretas y contratistas. Sin embargo, el destino la llevará a aliarse con Hei, el contratista principal, con quien tratará de entender las conspiraciones en las que se ha visto involucrada.

   A primera vista, la serie es desconcertante. Es una trama totalmente nueva que parece no tener ninguna relación con la temporada anterior. No sabemos por qué los buenos ahora son malos y viceversa.

   Como la gran mayoría de las series de anime, la trama es una especie de rompecabezas en el que poco a poco se irán colocando las piezas. No obstante, pese a que en esta temporada se van develando los misterios, la segunda temporada es un salto exponencial con respecto a la primera, situación que ofrece demasiadas interrogantes (creo que en exceso)  al grado de que no se consiga que quede del todo claro el final de la historia.

   Creo que esto fue notado por los creadores de la serie (y quizás recibieron muchas quejas). Para remediar el enorme hueco, las cuatro OVAs buscan aclarar lo que sucedió en ese gigantesco hueco ente primera y segunda temporada.

   En esta nueva historia para rellenar el hueco gigante, Hei y Yin huyen del todopoderoso e invisible Sindicato. Pese a los esfuerzos de Hei, la chica empieza a adquirir extrañas habilidades que la hacen no sólo más poderosa que un contratista, sino que a demás su existencia amenaza a prácticamente toda la humanidad. La historia nos explica el misterio de Yin, y nos aclara los sucesos presentes al inicio de la segunda temporada.

   Segunda temporada y OVAs mantienen el estilo de la serie original. La música, la acción, las peleas cuerpo a cuerpo entre contratistas, todo está en su lugar.

   En definitiva, una serie y una OVAs por momentos muy entretenidas y que al igual que la serie original, cumplen perfectamente su cometido.

Another

A principios del 2012 pudimos disfrutar de una de las mejores series de terror que ha dado la animación japonesa. Another, producción animada que a primera vista parecería ser lo mismo de siempre, resulta ser una detallada cátedra sobre cómo contar una historia de terror sin recurrir a los clichés habituales del cine estadounidense.

   Una clase en una escuela cualquiera en la que de pronto comienzan a ocurrir extrañas muertes es el hilo conductor de esta historia.

   Hay que señalar que el acostumbrado fan service prácticamente se ha eliminado. De la misma forma, la serie se olvida de un humor alocado que caracteriza a estas producciones. Así, la historia es un rompecabezas que nos mantiene anclados a la silla en la que poco a poco empiezan a colocarse las piezas.

   Debo admitirlo: me encanta la ambigüedad con la que se maneja el fenómeno sobrenatural que está matando a los estudiantes en la escuela. En sí, nadie sabe exactamente qué es lo que sucede: unos dicen que son fantasmas, otros comentan que se trata de algún desequilibrio en la naturaleza o en el tiempo.

   ¿Se acuerdan de las muertes? Cada una de ellas es atractiva, original y más sanguinaria que la anterior. A mí me perturbó en especial aquella en la que un rayo mata instantáneamente a un alumno de una generación anterior.

   Pero las imágenes y la atmósfera cumplen su cometido. La casa de la chica del parche es por momentos extraña, estremecedora, y los maniquíes aportan mucho misterio y temor al espectador.

   Me gusta también el final. Tantos alumnos tensos, esperando para ver quién será el siguiente; todos en una misma casa. El asunto es una bomba que explota (y que se veía que iba a explotar): todos terminan asesinándose. Esto me recuerda aquella novela de El señor de las moscas, de William Golding, en la que los niños pueden perder todo sentido civilizado y caer en la peor barbarie.

   Y me encanta el final del final: el fenómeno se ha resuelto para los alumnos de la generación presente, pero seguirá presentándose una y otra vez y afectará a las futuras generaciones, como si el tiempo siguiera la idea del eterno retorno de Nietzche.

   En resumen, mi serie favorita del 2012 y una obra maestra que está a la altura de las mejores obras de terror. Yo incluso me atrevo a decir que es tan buena como American Horror Story.

Especial Studio Ghibli: “La tumba de las luciérnagas”

 Llegó la hora de comentar algunos aspectos de la cinta que da título a este blog. No sólo se trata de la producción más conmovedora del Studio Ghibli, sino de una película cuyo bello nombre (y metáfora) es considerada como una de las obras maestras del cine anti-belicista.

   ¿Recuerdan la trama? En 1945, durante un bombardeo de los aliados, dos hermanos (hermano mayor y hermana pequeña) corren a refugiarse. Pronto, descubren que la madre ha quedado gravemente herida y a la larga se convierte en una más de las víctimas.

   A partir de aquí, los dos huérfanos tratarán de sobrevivir no sólo a la guerra, sino a los familiares incómodos y a la falta de techo y comida.

   Hay varias escenas a resaltar. Hay dos momentos en los que el huérfano siente a sangre fría la tragedia de la guerra: por un lado, cuando su madre está totalmente vendada y con graves quemaduras, y por el otro, cuando ésta muere, su cuerpo se llena de larvas de mosca y al final es arrojada a una montaña de cadáveres para ser calcinada. Resalto también los intentos de los huérfanos por conseguir comida, y cómo el hermano es arrestado.

   Pero la película busca enseñarnos algunas cosas. Una de ellas es que las guerras no deberían existir, y nos lo demuestran mostrándonos el caso de los huérfanos en primer plano. De la misma forma, la cinta es una especie de metáfora de la niñez quebrantada: a su edad, los niños deberían jugar e ir a la escuela, no ver bombardeos y padecer hambre.

   Por supuesto, el final es de lo más triste y realista: por más esfuerzos que se hagan, la muerte siempre está presente en la guerra y los espíritus de los niños, ahora en un lugar mejor, ofrecen un halo de tranquilidad al espectador.

   ¿Quién había dicho que la guerra era un arte? Creo que la peli responde de una manera realista y demoledora a esta extraña idea.

   En definitiva, una poderosa y conmovedora cinta de Isao Takahata que nos habla de la belleza de la vida y la paz, y nos concientiza sobre aquellas víctimas infantiles que habrán padecido toda clase de penurias a lo largo de las guerras que se han librado en el mundo.  

   Aquí les dejo la cinta animada y una versión live action.